Guide complet pour apprécier le nô, quintessence des arts traditionnels japonais

Les origines du nô remontent au début de l’époque de Nara. Il trouverait son origine dans le sangaku, introduit depuis le continent en même temps que le gagaku et la danse. Le sangaku associait diverses formes de divertissement, telles que l’acrobatie, la prestidigitation, l’imitation et la musique instrumentale. Il s’est répandu dans les fêtes des temples et des sanctuaires ainsi que sous la forme de spectacles de rue populaires. Il a ensuite pris le nom de sarugaku.

Du milieu de l’époque de Heian jusqu’à l’époque de Kamakura apparurent des troupes de sarugaku attachées aux temples et aux sanctuaires. Elles y exécutaient des danses lors de cérémonies, en tant que spectacle offert aux divinités. À la même époque, le dengaku devint populaire dans les villages agricoles. Cet art associait des acrobaties aux musiques jouées notamment à la flûte pour rythmer le repiquage du riz. Le dengaku était destiné à prier pour d’abondantes récoltes et à les célébrer. Ces deux arts, appelés respectivement « nô de sarugaku » et « nô de dengaku », se développèrent en rivalisant l’un avec l’autre. Le nô de dengaku finit toutefois par disparaître, tandis que le nô de sarugaku subsista.

Le sarugaku comptait plusieurs za, sortes de troupes théâtrales. Zeami se distingua au sein de l’une d’elles, établie à l’époque de Muromachi dans la province de Yamato, l’actuelle préfecture de Nara. Zeami est une figure essentielle de la culture théâtrale japonaise du nô. Doté de nombreux talents, il fut non seulement acteur de nô aux côtés de son père Kan’ami, mais se distingua également comme producteur, dramaturge et metteur en scène.
Nous sommes alors à l’époque de Muromachi, sous le règne d’Ashikaga Yoshimitsu, troisième shogun du shogunat de Muromachi et bâtisseur du somptueux Pavillon d’or. Zeami et Kan’ami gagnèrent ses faveurs et bénéficièrent de son soutien.

Grâce à ce soutien, Kan’ami et Zeami intégrèrent au nô les meilleurs éléments des arts du spectacle alors en vogue. Ils prirent également pour sujets des œuvres populaires de l’époque, telles que Le Dit du Genji et les Contes d’Ise, afin de correspondre aux goûts de leurs mécènes guerriers et aristocrates. C’est ainsi qu’ils établirent le nô en tant qu’art théâtral.

De l’époque Azuchi-Momoyama à l’époque d’Edo, les différents types de masques employés aujourd’hui dans le nô furent progressivement réunis et les costumes devinrent plus somptueux. Des scènes de nô furent aménagées au château d’Edo et dans les résidences des daimyos, tandis que de nombreux guerriers s’initièrent à cet art. Comme les artistes de nô étaient au service du shogunat ou des daimyos, leur rang et leur statut se stabilisèrent. Le nô put ainsi s’enrichir grâce à l’attention accordée au jeu et à la mise en scène.

Depuis que Zeami a établi le nô, celui-ci se transmet avec soin depuis plus de 650 ans. Considéré comme un art d’une longévité sans équivalent dans le monde, il a été inscrit en 2001 au « patrimoine culturel immatériel » de l’UNESCO et continue d’être représenté aujourd’hui comme l’un des arts emblématiques du Japon.

Il est fréquent d’entendre que les différences entre le nô, le kyōgen et le kabuki sont difficiles à saisir. Le nô et le kyōgen partagent une même origine, le sarugaku. Pour résumer, le nô est un théâtre musical et dansé, tandis que le kyōgen est un théâtre dialogué. Le kyōgen se caractérise par la place centrale des échanges verbaux et par son rythme soutenu.

À l’origine, le mot kyōgen était un nom commun signifiant « plaisanterie ». La plupart des pièces de kyōgen sont des comédies inspirées du quotidien des gens ordinaires. Elles dépeignent avec satire ce que la nature humaine a de stupide, de comique et d’attachant. Le nô et le kyōgen présentent des similitudes dans le jeu et la mise en scène ; ensemble, ils sont désignés sous le nom de nōgaku.

Le kabuki, apparu à l’époque d’Edo, s’est quant à lui constitué sous l’influence du nô et du kyōgen.

Le kabuki est apparu environ 300 ans après la naissance du nô et du kyōgen. Le nōgaku et le kabuki présentent des similitudes dans leurs types d’accompagnement musical et dans la structure de leur scène. De nombreuses pièces de nô et de kyōgen ont également été adaptées au kabuki. La célèbre pièce de kabuki Kanjinchō est ainsi une adaptation du nô Ataka, tandis que le kyōgen Bōshibari est lui aussi représenté au kabuki sous le titre Bōshibari. D’autres œuvres, comme Funa Benkei et Tsuchigumo, ont également servi de base à des pièces de kabuki. Même lorsqu’ils partagent le même sujet, ces arts produisent des impressions très différentes. Il est donc intéressant de comparer le nô, le kyōgen et le kabuki.

Des divinités masculines, féminines ou âgées apparaissent sur scène, mais la plupart sont masculines.
Entourées d’une atmosphère solennelle, elles sont empreintes de noblesse et exécutent une danse de bénédiction.

Capables de déployer une force surhumaine lorsque la situation l’exige, les tengu sont vêtus comme des yamabushi, moines ascètes qui s’entraînent habituellement dans les montagnes. Ils portent une chevelure appelée kashira, surmontée du tokin caractéristique des yamabushi. Ils tiennent également un éventail de plumes à la main.

Bien qu’ils aient l’apparence de vieillards, ils peuvent être des divinités ou des esprits.
Ils révèlent leur véritable forme dans la seconde moitié de la pièce.

Ce sont les fantômes de guerriers des clans Taira ou Minamoto. Leur armure est suggérée par la manière de porter leur costume, et ils peuvent être munis d’un long sabre.

Ce sont des habitants du monde céleste qui apparaissent notamment dans la pièce Hagoromo.
Ils portent sur la tête une couronne céleste appelée tenkan, signe d’un rang élevé, et dansent vêtus de costumes somptueux.

De nombreuses pièces commencent lorsqu’un moine rencontre un phénomène mystérieux au cours d’un voyage.
Le public suit souvent l’histoire de son point de vue.
Dans la seconde moitié, il arrive également que le moine prie afin de permettre à un esprit vengeur de trouver le repos.

Ce masque représentant une belle jeune femme aux traits délicats est utilisé dans un large éventail de pièces.

Bien qu’il ressemble à un démon, il s’agit en réalité d’un masque féminin.
Rendue folle par la jalousie, la femme a pris l’apparence d’un démon.
Ses yeux sont emplis de tristesse, tandis que sa bouche exprime la colère. Sa chevelure ébouriffée est également clairement visible.

Ce masque est porté par l’acteur shite qui interprète Okina.
Le vieillard au visage blanc est appelé Hakushikijō. La partie inférieure de sa mâchoire est séparée et reliée par des cordons.
Cette caractéristique ne se retrouve sur aucun autre masque de nô.

Il s’agit de la partie centrale de la scène de nô. De forme carrée, elle mesure trois ken de côté, soit environ 5,4 m. D’épaisses lames de cyprès japonais sont posées dans le sens longitudinal, vers l’avant de la scène. Aucun clou n’est utilisé, afin de faciliter la marche, les frappes de pieds et les sauts. L’espace sous le plancher est creux pour faire résonner les sons. La scène est légèrement inclinée vers l’avant, qui est plus bas, afin d’offrir une meilleure visibilité au public.

Ce panneau mural situé au fond de la scène porte toujours la représentation d’un vieux pin, plante de bon augure. Le pin, qui ne se flétrit pas, symbolise une prospérité éternelle. On croit que les divinités descendent dans les pins.

Cette partie se trouve derrière la scène principale. Les assistants de scène et les musiciens de hayashi y prennent place. Alors que les lames du plancher de la scène principale sont posées dans le sens longitudinal, celles de l’atoza sont disposées transversalement. Cet espace est donc parfois appelé yoko-ita, « planches transversales ». Lorsqu’un acteur s’y trouve, notamment pour changer de costume au cours d’une pièce, le public peut le voir, mais doit faire comme s’il était invisible.

Situé sur le côté de la scène principale, cet espace accueille le chœur jiutai. Ses membres sont généralement assis sur deux rangées de quatre. Lorsque la scène de nô est utilisée pour le kyōgen, le jiutaiza n’est pas employé.

Il s’agit de l’espace recouvert de pierres blanches entre la scène de nô et les sièges du public. Vestige de l’époque où les scènes de nô se trouvaient en plein air, il aurait servi de réflecteur en renvoyant la lumière du soleil pour mieux éclairer les masques et les costumes.

Le masque de nô réduisant le champ de vision et altérant la perception des distances, ce pilier a reçu son nom parce qu’il servait de repère pour vérifier sa direction et sa position. La scène de nô comporte trois autres piliers. Dans le sens des aiguilles d’une montre à partir du metsukebashira se trouvent le shitebashira, près duquel commence souvent le jeu du shite, le fuebashira, près duquel s’assoit le flûtiste, et le wakibashira, près duquel s’installe généralement le waki.

Il s’agit du petit escalier installé au centre de la scène principale. Il n’est plus utilisé aujourd’hui, mais à l’époque d’Edo, les fonctionnaires l’empruntaient pour monter sur scène afin de donner le signal du début du spectacle ou de remettre une récompense. Il subsiste comme vestige de cette époque.

Cette porte coulissante se trouve au fond, à droite lorsqu’on regarde la scène. Le chœur et les assistants de scène l’empruntent pour entrer et sortir.

Cet espace semblable à un couloir s’étend en diagonale vers le fond à gauche de la scène principale. Il sert à la fois de passage entre la salle du miroir et la scène principale, et d’espace de jeu. Sa longueur est généralement d’environ 10 m.

Ce rideau est suspendu entre la salle du miroir, lieu sacré où les acteurs se concentrent et mettent leur masque, et la passerelle. Il porte cinq bandes verticales de couleurs représentant le bois, le feu, la terre, le métal et l’eau. Il n’en comporte parfois que trois. Le rideau est levé et abaissé lors de l’entrée et de la sortie des interprètes. Lorsqu’une personne en costume, comme le shite ou le waki, passe, il est entièrement ouvert selon une disposition appelée honmaku. Pour les musiciens du hayashi, seule une petite partie du côté du mur est ouverte, selon une disposition appelée katamaku.

Cette fenêtre se trouve dans le mur à côté de l’agemaku et comporte un store de bambou du côté intérieur. Elle permet d’observer depuis la salle du miroir le déroulement de la représentation sur scène et la réaction du public. Son nom vient du fait qu’à l’époque d’Edo, les fonctionnaires, ou bugyō, auraient regardé par cette fenêtre pour surveiller les lieux. Elle est également appelée arashimado ou monomimado.

Trois pins sont plantés à intervalles réguliers dans le shirasu, le long de la passerelle. Ils sont tous de tailles différentes et deviennent plus petits à mesure qu’ils s’éloignent de la scène principale. Ils servent également de repères pour le placement des acteurs lorsqu’ils jouent sur la passerelle. En partant du plus proche de la scène principale, ils sont appelés premier pin, deuxième pin et troisième pin.

Cette entrée était utilisée par les personnes de haut rang pour accéder à la scène et la quitter, mais elle n’est plus employée aujourd’hui.

Dans le nô, les places du public sont appelées kensho. Jusqu’au début de l’ère Shōwa environ, elles étaient souvent recouvertes de tatamis et les spectateurs assistaient aux représentations assis à genoux. Aujourd’hui, il s’agit presque toujours de sièges. Les différentes parties du kensho portent des noms distincts. La zone située face à la scène principale est appelée shōmen, celle offrant une vue latérale de la scène principale est appelée waki-shōmen, et la zone qui s’étend en éventail depuis le pilier de repérage et offre une vue en diagonale est appelée naka-shōmen.

Ce sont les instrumentistes. Ils jouent de la flûte, du petit tambour kotsuzumi, du grand tambour ōtsuzumi et du taiko, chacun de ces instruments étant confié à un spécialiste. Selon la pièce, le taiko peut être absent. Leur musique joue un rôle essentiel en mettant en valeur l’utai et le jeu des acteurs.

Lors d’une visite au Kyoto Kanze Kaikan, les articles consacrés au nô constituent d’excellents souvenirs.
La trousse à cosmétiques « Keshō no omote » est particulièrement impressionnante.

Elle a la forme d’un masque de nô féminin et peut contenir des pinceaux de maquillage, un eye-liner, du mascara, des ombres à paupières ou du fard à joues. Elle peut bien sûr servir de trousse à cosmétiques, mais aussi de plumier très pratique.
Elle est également disponible sur un site de vente en ligne.

Les petits objets comme le ruban adhésif décoratif ou le papier origami sont également recommandés comme cadeaux pour des amis.
Le ruban adhésif comporte cinq bandes colorées évoquant l’agemaku. Orné de motifs représentant notamment Hannya et Ko-omote, il présente un design vif et mignon. Le « papier origami de masques de nô » comprend des schémas permettant de plier les masques d’Okina, de femme et de Hannya.
Il existe également du « papier origami nōgaku » portant des motifs de masques et d’instruments utilisés dans le nô.
Choisir un souvenir apprécié permettra de conserver un lien avec le nô même après le retour dans son pays.